Contenu
- 01. Produire une gamme de vignettes
- 02. Tracez un croquis
- 03. Rassemblez quelques photos de référence
- 04. Créer un dessin au trait
- 05. Appliquez un lavis à l'aquarelle
- 06. Poussez une impression de profondeur
- 07. Esquisser des formes d'animaux
- 08. Introduisez des motifs et des textures
- 09. Affiner la tête et la main
- 10. Augmenter la complexité et l'intérêt visuel
- 11. Développer un sens du contraste
- 12. Peindre les reflets de la gouache
- 13. Améliorez les cheveux et les lignes
- 14. Aplatissement du papier
- 15. Touches finales
Pour cet atelier, je crée une illustration basée sur le conte de fées des frères Grimm Thousandfurs. L'un des éléments clés de l'histoire est un manteau composé de différents types de fourrure et de plumes. Quand j'ai lu l'histoire pour la première fois, j'ai tout de suite su que je voulais dessiner la cape. Il y a beaucoup de potentiel ici pour créer quelque chose d'un peu effrayant et inhabituel avec tous ces différents animaux.
Je veux que la figure soit entourée d'une masse presque abstraite composée d'animaux et de textures. Mon objectif est de créer une silhouette forte, remplie de détails plus petits lorsque vous regardez de plus près. Bien que le conte de fées décrit la cape comme étant faite de différents types de fourrure, je veux aller plus loin et inclure également des notes subtiles de parties d'animaux reconnaissables, comme un œil ou une oreille qui piquent ici et là. J'adore ajouter ces détails que les téléspectateurs pourront trouver; ils sont comme des secrets cachés à la vue de tous.
Mon objectif est de créer une silhouette forte, remplie de détails plus petits lorsque vous regardez de plus près
Pour l’inspiration, je regarde des créateurs de mode comme Alexander McQueen et Iris van Herpen. Ces designers créent des œuvres avec des silhouettes uniques et utilisent souvent des textures inspirées de la nature. Leur travail est également légèrement sombre et effrayant, ce qui est exactement le genre de ton que je cherche à obtenir dans ma propre illustration. Je ne copie pas des dessins spécifiques, mais je prends plutôt note des silhouettes et des matériaux qu’ils utilisent. À titre de référence, j'utilise une collection de photos que j'ai prises dans divers musées, ce qui me donne un large éventail de motifs d'animaux auxquels je me réfère lorsque je dessine.
J'utiliserai une combinaison de techniques d'aquarelle et de dessins au crayon pour créer une image monochromatique, avec des reflets à la gouache. Les textures d'aquarelle établissent l'ambiance et le ton de l'illustration, tandis que les lignes dessinées créent du mouvement et des détails. Mon objectif est d'être expérimental et de laisser le processus éclairer mes décisions créatives.
Cette approche expérimentale signifie que les résultats peuvent être imprévisibles, et je ne sais jamais exactement quelles textures ou formes je produirai lors de la pose de l'aquarelle. Parce que c'est une pièce personnelle et non pour un client ou une commande, cela me permet d'improviser et de jouer avec les médias sans me soucier de ce à quoi ressemblera la finale. Même si j’aime travailler avec les contraintes d’une mission d’illustration, c’est amusant de «se laisser aller» sur ces pièces personnelles. Je tombe souvent sur de nouvelles techniques en cours de route que je peux ensuite intégrer à des travaux de commande.
01. Produire une gamme de vignettes
Je commence par créer des vignettes numériquement dans Photoshop. À ce stade précoce, je me concentre simplement sur la recherche de formes et de silhouettes intéressantes, sans trop penser aux détails. Ils viennent plus tard.
02. Tracez un croquis
Toujours dans Photoshop, je travaille sur une esquisse plus détaillée. Je suis en train de comprendre la composition générale et la structure de valeur de la pièce, en travaillant très librement en bloquant les formes, sans entrer dans trop de détails.
03. Rassemblez quelques photos de référence
Je rassemble également toutes les références dont j'ai besoin. J’ai constitué ma propre collection de photos, prises dans divers musées d’histoire naturelle pendant de nombreuses années. Ils sont parfaits pour faire référence à différentes textures et motifs de fourrure.
04. Créer un dessin au trait
Je trace autour de mon croquis numérique pour créer un dessin au trait. Je l'imprime ensuite directement sur mon papier à dessin. Avant l'impression, je floute et éclaircis les lignes pour que l'impression soit subtile et finisse par être recouverte par les aquarelles.
05. Appliquez un lavis à l'aquarelle
Je commence à poser le lavis à l'aquarelle. Je commence par la partie la plus sombre et je bloque les formes guidées par mes lignes imprimées. J'ajoute beaucoup d'eau au pigment pour créer des textures et des effets de granulation intéressants.
06. Poussez une impression de profondeur
Une fois la première couche sèche, j'ajoute des éclaboussures de peinture, en veillant à couvrir la zone autour de la tête et de la main avec du papier brouillon. J'applique également une deuxième couche de lavage pour assombrir certaines zones de la composition.
07. Esquisser des formes d'animaux
Il est temps de commencer à dessiner. Je commence par dessiner vaguement chez les animaux. Je trouve des formes et des bords dans la texture aquarelle pour y insérer des animaux et je regarde mes photos pour référence.
08. Introduisez des motifs et des textures
Je tourne mon attention sur les motifs de fourrure. Je m'assure qu'il y a une bonne variété d'animaux représentés et que des motifs similaires sont répartis uniformément. En plus de ma collection de photographies de fourrure, je fais également référence à des éléments tels que des motifs de corail et des plis de tissu.
09. Affiner la tête et la main
Je commence à ajouter des détails sur la tête et la main du personnage. Je veux que ses traits paraissent assez délicats, alors j'utilise un crayon très pointu et je travaille légèrement pour créer progressivement des ombres sur sa peau.
10. Augmenter la complexité et l'intérêt visuel
Maintenant que j'ai une base solide, je peux enfin me concentrer sur tous les petits détails de la composition. Je rend différentes textures, rend certaines formes plus complexes et assombris les zones d'ombre.
11. Développer un sens du contraste
Après avoir construit mon ombrage, je veux maintenant extraire quelques reflets pour créer plus de contraste. J'utilise un crayon pastel blanc pour éclaircir avec parcimonie certaines zones, puis j'utilise un pinceau propre et sec pour le mélanger.
12. Peindre les reflets de la gouache
Le dessin étant presque terminé, j'ajoute quelques reflets bleus décoratifs à la gouache. Je me rends alors compte que mes reflets blancs pourraient être plus forts, alors je reviens et ajoute également un autre calque avec un crayon pastel blanc.
13. Améliorez les cheveux et les lignes
J'avais l'intention de laisser les cheveux non ombrés pour un look éclatant, mais remarquez qu'ils semblent inachevés, alors j'ajoute des nuances subtiles. J'ajoute également de petites lignes expressives sur toute la pièce pour assouplir le dessin et créer du mouvement partout.
14. Aplatissement du papier
Pour enlever le gauchissement de mon papier, je recouvre le dos avec de l'eau à l'aide d'un pinceau en mousse et le sandwich entre deux planches avec une pile de livres lourds sur le dessus. Je laisse ensuite cela sécher pendant la nuit.
15. Touches finales
Le lendemain, je donne une dernière passe à la composition: extraire les reflets, assombrir les ombres et m'assurer que tout est parfait. Je le vaporise ensuite avec un fixateur, et la pièce est terminée.
Cet article a été initialement publié dans ImagineFX numéro de magazine 136. Achetez-le ici.
