Contenu
- Pourquoi utiliser la couleur dans la bande dessinée?
- Quel logiciel dois-je utiliser?
- 01. Commencez avec des couleurs plates
- 02. N'utilisez pas trop de calques
- 03. Décidez de votre style de peinture
- 04. Pensez à la quantité de détails à inclure
- 05. Ajoutez de la personnalité
- 06. Utilisez la couleur et la forme pour raconter une histoire
- 07. Créez une ambiance avec vos choix de couleurs
- 08. Utilisez la valeur pour créer des plans et des silhouettes
- 09. Vérifiez votre page en niveaux de gris
- 10. Limitez votre palette de couleurs
- 11. Développez le canevas grâce à la couleur
- 12. Prenez des notes avant de commencer
La coloration des bandes dessinées est le meilleur travail dans le monde de l’art, en ce qui me concerne, car cela penche fortement vers la partie amusante de l’art: la narration. Dans cet article, je vais vous présenter mes meilleurs conseils pour ajouter de la couleur aux dessins en noir et blanc afin de donner vie à vos décors et personnages.
La couleur peut aider à élargir la portée d'une bande dessinée, transformant chaque panneau d'un dessin en deux dimensions en une fenêtre vers un monde riche et nuancé. La couleur de ces panneaux peut s'harmoniser pour donner le rythme, comme une chanson. Je vais commencer par répondre à quelques questions clés, avant de partager quelques conseils pour tirer le meilleur parti de la couleur. Si vous souhaitez dessiner des conseils, consultez notre article sur la création d'une page de bande dessinée.
Pourquoi utiliser la couleur dans la bande dessinée?
Cela peut sembler une question insensée, mais il vaut la peine de réfléchir aux avantages que la couleur peut apporter à une illustration que le noir et blanc ne peut pas. La couleur peut transmettre des éléments tels que l'humeur, l'heure de la journée, le changement de scène, les plans d'image et la profondeur de champ.
La couleur peut être un excellent raccourci visuel pour aider un lecteur à comprendre ce qui se passe, sans le marteler au-dessus de sa tête avec un dialogue ou avoir à dessiner absolument tout dans une scène. Quelque chose d'aussi simple qu'un fond jaune et des ombres bleues peut vous dire que c'est le lever du soleil.
Quel logiciel dois-je utiliser?
Jusqu'à récemment, Photoshop CC était le logiciel de facto utilisé dans la coloration des bandes dessinées, mais Clip Studio Paint a changé cela. Le clip est beaucoup plus rapide avec certaines tâches telles que la pose de couleurs plates, principalement en raison de ses paramètres de tolérance avancés du pot de peinture qui piègent automatiquement et détectent les espaces entre les lignes lors du remplissage de formes encrées. Un gain de temps énorme!
Cela dit, je préfère toujours les pinceaux disponibles dans Photoshop pour le rendu. Au-delà du bureau, je travaillerai parfois sur mon iPad Pro en utilisant également Clip ou Procreate. Vous ne savez pas quelle application vous convient? Jetez un œil à notre guide des meilleurs logiciels pour les artistes numériques.
01. Commencez avec des couleurs plates
La pose à plat est une étape standard pour les coloristes de l’industrie américaine de la bande dessinée. L'aplatissement est le processus au cours duquel des formes plates, contiguës et aliasées sont placées sur un calque distinct du dessin au trait pour permettre de sélectionner des zones lors du rendu.
Comme la plupart des coloristes, je sous-traite généralement cette étape à un professionnel pour gagner du temps. Une fois que j'aurai récupéré un lot d'appartements, je les examinerai tous avec un pot de peinture pour changer les couleurs de base en conséquence.
02. N'utilisez pas trop de calques
J'ai vu des coloristes utiliser des dizaines de calques Photoshop sur une page. J'ai du mal à suivre autant de choses (lire: je pense que c'est fou), alors je me limite généralement à trois ou quatre. Cela se composera généralement de mes appartements, d'un duplicata de ces appartements sur lesquels effectuer le rendu et d'un calque avec mes lignes dessus. Propre et simple. Je pourrais avoir un calque ou deux pour les prises de couleur (dessin au trait coloré) et / ou les effets lumineux et d’éclairage, mais c’est généralement tout.
03. Décidez de votre style de peinture
En utilisant un lasso aliasé ou l’outil Crayon, je peux effectuer le rendu dans un style de couleur "anime" plat, facile à modifier avec le pot de peinture. L'utilisation d'un aérographe ou de pinceaux picturaux peut être plus expressive sur le plan artistique, mais rend les changements plus chronophages. Cependant, le fait d’avoir le calque plats comme sauvegarde pour la sélection de chaque forme facilite cette modification. Les deux styles ont des mérites et peuvent être combinés. Je peindrai souvent mes arrière-plans et utiliserai des formes plates pour les personnages. Ou je pourrais laisser les ombres plates et rendre les zones de surbrillance.
04. Pensez à la quantité de détails à inclure
Un style hyper-réaliste et détaillé peut ajouter du poids à une histoire via du grain, de la texture, du chaume, etc., tandis qu'un style simple peut permettre au lecteur de remplir mentalement quelques blancs et d'accélérer l'expérience de lecture, sans avoir à travailler sur une surabondance de détail.
Un rendu plus simple peut permettre des touches de couleur plus expressives. Je n’essaie pas de vendre les détails ici. Le détail ajoute de la gravité et cela compte pour beaucoup. Il y a des avantages et des inconvénients à abandonner des détails, et je fredonne et haletant sur les options de rendu chaque fois que je commence un nouveau concert.
05. Ajoutez de la personnalité
Beaucoup de coloristes, vétérans et débutants, craignent que leur couleur ne disparaisse à l'arrière-plan pour laisser briller le dessin au trait. Je ne suis pas vraiment abonné à cette école de pensée. L'art collaboratif doit être collaboratif! J'espère que mon travail est reconnaissable quel que soit le style de rendu que j'utilise, à travers mes choix de couleurs et les types de formes que j'utilise dans mon rendu.
L'art collaboratif, c'est comme être dans un groupe. Chacun doit jouer sur ses points forts et montrer son style personnel. Sinon, l'art que vous créez ensemble devient ennuyeux.
06. Utilisez la couleur et la forme pour raconter une histoire
La couleur peut être un excellent moyen de diriger l'œil du lecteur via des lignes d'ombre, des motifs de couleur, etc. Pendant que les personnages principaux et l'action font leur travail sur la page, je peux subtilement renforcer la ligne des yeux et diriger l'action sans matraquer les gens au-dessus de la tête avec. Dans le cas de cette page de LOW, j'ai utilisé une triade de formes rouges pour attirer rapidement le regard sur nos héros, malgré le chaos du reste de l'image.
07. Créez une ambiance avec vos choix de couleurs
J'essaie d'utiliser la couleur pour aider à soutenir l'histoire. Il existe de nombreuses normes telles que les tons bleus ou désaturés suggérant le calme ou la mélancolie, tandis que l'orange ou le vert peuvent faire allusion à des produits chimiques toxiques dans l'air. Un rouge saturé met en garde contre un danger imminent.
Un raccourci couleur comme celui-ci peut être un excellent moyen d'aider le lecteur à comprendre ce qui se passe au-delà et entre les panneaux, et à séparer les scènes. Si je travaille sur un projet plus long, créer des repères de couleur personnalisés (et s’y tenir) peut être un excellent moyen de distinguer également la construction du monde de ce projet du pack.
08. Utilisez la valeur pour créer des plans et des silhouettes
J'ai tendance à utiliser des valeurs sombres et désaturées pour un plan et des valeurs claires et saturées pour un autre. Faire sauter les choses de ces plans dans une troisième plage de valeurs avec autant de contraste que possible permet de concentrer l'œil sur le sujet du panneau. Ces valeurs ne doivent pas nécessairement être de teintes différentes.
Je trouve souvent que lorsque les gens pensent à la couleur, ils se concentrent trop sur la teinte et oublient la valeur. En ce qui me concerne, la valeur est l’élément absolu le plus important d’une couleur, puis c’est la saturation et la teinte.
09. Vérifiez votre page en niveaux de gris
Photoshop facilite la vérification de mes valeurs. Si je travaille sur quelque chose avec des plans compliqués qui se chevauchent, j'ouvrirai une nouvelle fenêtre et changerai la configuration de la preuve en Gris. Cela me permet de travailler sur le fichier couleur tout en obtenant des commentaires en temps réel sur mes valeurs dans ce deuxième onglet. Pour les pages moins complexes, je vais simplement utiliser un raccourci clavier pour passer en mode d'épreuve des gris à partir de la vue normale de temps en temps pour me garder sous contrôle, en m'assurant que les rouges vifs parmi d'autres couleurs ne gâchent pas les choses en termes de valeur.
10. Limitez votre palette de couleurs
J'essaie de m'en tenir aux choix de valeur et de limiter ma palette de couleurs à ce qui est nécessaire pour raconter l'histoire. La couleur doit avoir une raison d'être là, et si quelque chose n'est pas clé, cela aide souvent l'histoire à utiliser des valeurs dans une couleur neutre au lieu de teintes pour l'aider à s'enfoncer dans l'arrière-plan. Plus vous conservez simplement votre couleur, plus un changement de couleur aura d'impact, aidant le lecteur à comprendre que quelque chose d'important se passe.
11. Développez le canevas grâce à la couleur
Vous pouvez impliquer tout un monde hors panneau avec la couleur, qui est l'une de mes parties préférées en tant que coloriste. J'ai tendance à réfléchir beaucoup à l'environnement dans lequel se déroule une histoire. De quels matériaux les choses sont-elles faites? À quel point sont-ils poussiéreux? Quelle est la position du soleil dans le ciel? Combien de minutes, heures ou secondes se sont écoulées depuis le dernier panneau? Y a-t-il des lumières allumées sur le panneau? Je me pose des questions comme ça toute la journée. Il ne s’agit pas seulement de colorier ce que vous pouvez voir sur la page.
12. Prenez des notes avant de commencer
Je prends des notes sur un script avant de commencer un numéro - marquer l'heure de la journée, les changements de scène et les battements émotionnels. Faites-le à l'avance si vous n'avez pas beaucoup d'œuvres d'art et que vous devez quand même commencer.
Cela dit, si le temps le permet, il peut être utile de regarder toutes vos couleurs plates ensemble pour un livre, pour s’assurer que la «musicalité» de cette couleur fonctionne. Créer des thèmes, les transporter à travers différentes scènes, peut-être en utilisant des couleurs pop pour mettre en valeur des éléments importants de l'histoire. Vous emmenez le lecteur dans un voyage coloré, alors rendez-le agréable pour lui!
Cet article a été initialement publié dans ImagineFX, le magazine le plus vendu au monde pour les artistes numériques. Acheter numéro 160 ou alors s'abonner.
