Contenu
- 01. Ajouter de la personnalité
- 02. Utiliser les ventilations
- 03. Cherchez l'inspiration auprès des maîtres
- 04. Rendez-le personnel
- 05. Évitez l'étrange vallée
- 06. Focus sur l'anatomie
- 07. Faites une séance photo
- 08. Modélisez votre sujet
- 09. Gardez les textures simples
- 10. Passez du temps sur les yeux
- 11. N'exagérez pas dans les détails
- 12. Utilisez X-Gen pour les cheveux
- 13. Créez une ambiance avec l'éclairage
- 14. Pensez à votre composition
Vous savez peut-être comment dessiner des gens, mais créer un portrait numérique qui ne se distingue pas d’une photographie - comme celle ci-dessus - est une tout autre affaire. C’est difficile à faire, mais cela peut être un exercice incroyablement gratifiant dans l’art 3D.
Les portraits sont comme une fenêtre sur la vie du sujet; il faut vraiment connaître quelqu'un pour être capable de bien les représenter, car ce ne sont pas seulement les traits du visage que vous représentez, mais aussi leur personnalité. On dit aussi que derrière chaque portrait se cache un autoportrait, car c'est aussi l'histoire de l'artiste; à travers tous mes portraits, j'espère que vous en apprendrez un peu plus sur moi-même.
- Pourquoi les artistes 2D doivent apprendre la 3D
Mon travail est inspiré des grands maîtres, Rembrandt, Caravaggio, Vermeer - ces peintures ont été réalisées il y a des centaines d'années, mais nous nous connectons toujours à elles comme si ces personnes étaient encore en vie aujourd'hui. Le fait que nous soyons à l'ère numérique nous permet maintenant d'utiliser de nouveaux outils pour créer ces portraits, ce qui n'a jamais été fait auparavant - nous créons une nouvelle forme de portrait.
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01. Ajouter de la personnalité
La raison pour laquelle chaque portrait que je fais est celui d'un membre de ma famille ou d'un ami est que je les connais et qu'en les connaissant, je peux ajouter leur personnalité. Les humains numériques ont besoin d'une personnalité pour les rendre crédibles; les personnages dans une pose en T peuvent sembler réels, mais nous ne nous connecterons pas avec eux. Quand nous voyons des gens, nous essayons de les lire, nous voulons savoir qui ils sont, et nous devrions faire de même avec les caractères numériques - les rendre aussi réels que possible, non seulement en surface mais aussi sous la peau.
02. Utiliser les ventilations
Les pannes sont un très bon moyen d'aider à promouvoir les personnages numériques. Ils révèlent derrière le rideau et montrent exactement ce que vous regardez. En démontrant que nous utilisons des outils comme un pinceau ou un ciseau, cela montre que le travail n'est pas qu'un simple clic sur un bouton. Les humains numériques sont nouveaux et les gens veulent voir la magie derrière eux. Une ventilation dissipe toute confusion sur le fait qu'il pourrait s'agir d'une photo, et j'espère que les gens passeront un peu plus longtemps à apprécier le travail acharné qui a été consacré.
03. Cherchez l'inspiration auprès des maîtres
Il est toujours important d'avoir de l'inspiration. Mon inspiration vient des maîtres. Par exemple, le style de Rembrandt crée une ambiance que vous pouvez ressentir; ses sujets sont relatables et chacun de ses portraits se sent vivant. Une autre inspiration est Vermeer, et un exemple parfait est sa peinture Fille avec une boucle d'oreille en perle. Cette femme a une boucle d'oreille en perles même si elle ressemble à une femme de chambre; elle ne pouvait évidemment pas se permettre cela, mais elle le porte, donc cela vous amène à vous demander si Vermeer avait un intérêt amoureux pour elle, la posant avec les bijoux de sa femme. Cela crée une histoire sur laquelle nous voulons en savoir plus; ajouter une histoire à nos humains numériques les rendra plus crédibles.
04. Rendez-le personnel
Le travail personnel doit être personnel. Si vous allez travailler à la maison et que vous créez quelque chose que quelqu'un d'autre veut voir, c'est juste du travail, car vous réalisez le rêve de quelqu'un d'autre. Ce n'est pas durable si vous souhaitez continuer à travailler en dehors des heures de 9h00 à 18h00. Si vous voulez que vos humains numériques se connectent au public, aimer ce que vous faites montrera dans l'œuvre, alors rendez-la personnelle - plus vous vous en souciez, plus elle se démarquera. Ce faisant, vous créerez quelque chose d'original.
05. Évitez l'étrange vallée
L'étrange vallée est encore une immense vallée que nous n'avons pas encore traversée. Il existe un nombre infini de variables qui nous rendent humains, mais lorsque nous essayons de les créer, nous sélectionnons et choisissons les premières que nous connaissons. J'ai vu des personnages de dessins animés se sentir très réels malgré le fait qu'ils ne paraissent pas du tout réels - ces artistes sont phénoménaux pour exprimer notre côté émotionnel. Créez une émotion que vous souhaitez exprimer. Avec Cassidy, j'ai essayé d'imaginer ce qu'elle pensait et d'avoir cette pensée comme base pour le portrait, et tout découle de cette pensée.
06. Focus sur l'anatomie
Apprenez votre anatomie. Même si nous avons l'air différent, chaque personne a la même anatomie, les mêmes os, les mêmes muscles, les mêmes éléments constitutifs. Sur les photos, il est parfois difficile de déterminer la forme et les formes, donc utiliser vos connaissances en anatomie vous aidera à remplir ces zones. La première chose que je regarde dans un personnage numérique, ce sont les oreilles - quelque chose qui saute facilement, mais une fois que vous remarquez des défauts comme celui-ci, il est difficile de croire que ce sont de vraies personnes et qu'elles deviennent presque comme un mannequin.
07. Faites une séance photo
Je fais toujours une séance photo de mes sujets, environ entre 100 et 200 photographies. Je vais d'abord prendre des photos sous tous les angles, et ces photos sont utilisées pour modéliser et texturer. Ensuite, je pose et j'éclaire le sujet pour créer une ambiance, et j'essaie de multiples façons de mieux représenter qui est le sujet. Lors de la création d'un portrait, il est important de se référer à ces photographies; il est facile de se laisser prendre à rendre notre travail stylisé, mais pour créer une image, vous devez être fidèle au sujet, ce qui signifie que vous ne pouvez pas les flatter et essayer de les améliorer.
08. Modélisez votre sujet
Je pose un maillage de base pré-truqué dans Maya, puis je prends cette géométrie dans Mudbox pour la sculpter. Je n’utilise pas de numérisation, mais mon processus de modélisation ressemble beaucoup à la façon dont une numérisation est effectuée. Depuis que j'ai pris des photos sous tous les angles, je vais aligner ces photos dans Mudbox. Je vais faire correspondre le modèle à l'angle avant, puis au profil, puis à la vue trois quarts, et ainsi de suite. J'aurai au moins 8 à 10 photos que j'utiliserai pour sculpter. Une fois la ressemblance là, je commencerai à me concentrer sur l'expression et le corps.
09. Gardez les textures simples
Je fais toutes les textures dans Mudbox; J'utilise chaque angle des photos pour projeter sur le modèle. Il y a beaucoup de nettoyage, de repeinture et de correction des couleurs pour lesquels Mudbox est idéal. J'ai commencé à utiliser les textures XYZ pour faire ressortir les détails des pores. J'utilise le shader VRayFastSSS2 pour la peau. Je vais pousser la carte diffuse aussi loin que possible avant de trop m'inquiéter des spécifications, des bosses et des cartes SSS. Je crois en la simplicité en matière de texturation, car plus c'est simple, plus il est facile de faire des changements pendant les étapes lookdev.
10. Passez du temps sur les yeux
Les yeux sont au cœur de la pièce, car les yeux sont généralement la première chose que nous regardons lorsque nous interagissons avec les autres. Le moindre changement changera complètement l'expression. Chaque humain sait à quoi ressemble un œil; dès la naissance, nous comprenons la subtilité d'une expression, et même quelqu'un qui n'a aucune expérience en art remarquera des défauts. C'est la raison pour laquelle l'étrange vallée est si difficile à surmonter - une erreur et elle tombera dans l'étrange vallée. Je passe beaucoup de temps à travailler sur les yeux et à passer par de nombreuses variantes avant de pouvoir leur donner une apparence décente.
11. N'exagérez pas dans les détails
Votre œil aime les détails; nous en lisons beaucoup inconsciemment, et un manque de détails ressortira. Mais si vous en faites trop, vous pourriez détourner l'attention de ce qui est important. Les détails sont utilisés pour créer du réalisme et soutenir l'image globale, mais ils ne sont pas destinés à être mis en valeur. Dans mon travail de portrait, mon objectif principal est les yeux et le visage; tout tourne autour de cela et le soutient, si ce n’est pas le cas, je m'en débarrasserai.
12. Utilisez X-Gen pour les cheveux
Les cheveux de Cassidy ont été le plus grand défi que j'ai eu dans ce portrait, car ils couvrent la majeure partie de la toile. C'était la première fois que j'utilisais X-Gen mais je suis satisfait des résultats. X-Gen vous permet de créer des cheveux aléatoires d'une mèche à l'autre et est idéal pour créer ces mèches rebelles. Il est également excellent pour créer ce fuzz pêche - c'est subtil, mais ajoute ce réalisme. J'ai ajouté un shader de cheveux V-Ray aux cheveux avec une variation de couleur pour chaque mèche. En rendant les cheveux aléatoires, il perd l'aspect propre que parfois le travail numérique peut avoir.
13. Créez une ambiance avec l'éclairage
L'éclairage est la clé de l'ambiance de l'œuvre, car il stimule et amplifie l'émotion que vous essayez de représenter. Le Caravage est un exemple de la façon dont une lumière dure peut changer une image; son travail a un fort éclairage à contraste élevé qui rend son travail dynamique et agressif. Alternativement, Rembrandt utilise généralement un éclairage doux, ce qui donne à son travail une chaleur accueillante. Dans le portrait de Cassidy, je voulais montrer la jeunesse, alors j'ai utilisé une lumière chaude et douce pour la montrer comme une personne de compassion. La pièce s'inspire en fait de l'éclairage doux de la Joconde.
14. Pensez à votre composition
Pour renforcer l'éclairage doux, j'ai veillé à ne pas avoir de lignes dures dans la composition. La composition est créée à partir d'ovales et de la règle des tiers. L'arrière-plan s'est divisé en deux, la lumière permettant à sa tête de sortir et l'obscurité pour permettre à son pull de se démarquer. Être capable de lire la silhouette crée moins de distraction de son visage et de son regard, qui est le point focal principal. La composition et l'éclairage sont ce qui définit vraiment un portrait - ce sont d'excellents outils à utiliser pour aider à créer une connexion avec le sujet.
Cet article a été initialement publié dans le numéro 236 de Monde 3D, le magazine le plus vendu au monde pour les artistes de CG. Achetez le numéro 236 ici ou alors abonnez-vous à 3D World ici.
